Façade de la maison Autrique, Chée de Haecht 266, 1030 Shaerbeek

Les raisons d’aller à Bruxelles ne manquent pas. En vrac, en voici quelques unes : les terrasses animées de la place Saint Géry, la gastronomie belge (et oui, j’aime la bière, les croquettes aux crevettes, les gaufres mais aussi les petits salons de thé bio …), les lieux à rêver (le Wolf dédié à la littérature jeunesse, le Centre Belge de la Bande Dessinée, le musée Magritte, la librairie 100papiers, la boutique de jouets The Grasshopper …)

Namasthe 25, avenue Louis Bertrand, Schaerbeek

Et bien, jusqu’à fin janvier 2014, vous avez une autre raison de vous précipiter sur une réservation Thalys, la très belle exposition « Ombres et lanternes, la magie du précinéma » à la Maison Autrique.

Cet hôtel particulier, témoin des débuts de l’architecte Horta, accueille, de sa buanderie au grenier, une collection extraordinaire d’objets optiques. Théâtre d’ombres, lanterne magique, phénakistiscope, praxinoscope et bien d’autres objets sont exposés dans des vitrines ou prennent place naturellement dans la décoration de la maison.

Les premiers pas de l’homme qui marche de Muybridge sont projetés sur le linge de la buanderie

lanterne magique et plaque

Outre la beauté des objets exposés, l’intérêt majeur de cette exposition est son interactivité. Le visiteur muni d’une clé peut mettre en marche un grand nombre d’objets ou manipuler directement certains d’entre eux.

Une recherche frénétique des « trous de serrure » commence …

Mutoscope, New York

Une des images du mutoscope, un des premiers westerns ?

Le plus magique a été de pouvoir animer le théâtre optique d’Emile Reynaud, ces quelques instants (reproduits à foison …) valent à eux seuls le voyage !

Affiche d’un spectacle d’Emile Reynaud au musée Grévin

Théâtre optique d’Emile Reynaud, Autour d’une cabine

Pour prolonger la visite, j’achète deux superbes livres à la boutique de la maison Autrique. Dans la famille Levie, la passion de l’image animée se passe de père en fille…

Celui de Pierre Levie « Montreurs et vues d’optique » est une merveille visuelle tant l’iconographie qui le compose est riche.

Montreurs et vues d’optique, Pierre Levie, Sofidoc, 2006

Mais je commence ma lecture par celui de sa fille Françoise, « Etienne-Gaspard Robertson, la vie d’un fantasmagore ». Malgré son apparence plus austère, il suffit de lire quelques lignes pour être happer par ce récit aussi passionnant qu’une enquête policière.

Etienne-Gaspard Robertson, la vie d’un fantasmagore, Françoise Levie, Le préambule, 1990

Cette belle escapade aura été aussi l’occasion de compléter ma découverte des panneaux détournés de Clet Abrahams …

Clet Abraham à Bruxelles

Clet Abraham à Bruxelles

Clet Abraham à Bruxelles

Les derniers ateliers ont été une véritable course contre la montre pour terminer notre film. La contrainte temps nous a obligé à faire des choix drastiques … Renoncer aux présentations des héros préférés du Time’s Up, ne pas relancer l’invitation à l’arrière petite fille d’Emile Reynaud … Pour nous concentrer sur la réalisation du Petit Bossu.

Finaliser les décors et les personnages.

Animer les dernières scènes.

Enregistrer la bande son.

Réaliser le montage.

Nous sommes fiers d’être allés jusqu’au bout du projet. Maintenant, à vous de juger !

Si vous souhaitez écouter le texte que nous avons adapté, c’est ici !

« Le vent » de Victor Sjöström, 1928, Festival « La chair, la mort et le diable » Musée d’Orsay

Marcos me reçoit dans la pièce principale de son appartement. Des rayonnages de DVD, de livres et de revues tapissent les murs, une table disparaît sous une montagne de documents. Des jouets de construction laissés au sol par ses trois jeunes garçons rappellent que le lieu est à la fois un espace familial et un espace de travail.           Pour Marcos, le cinéma se décline sur tous les tons, sujet d’étude et de travail, pratique amateur et professionnelle, plaisir personnel et objet de partage, partage de connaissance et d’émotion …

Se présenter en quelques mots…

Je suis avant tout cinéphile. J’exerce plusieurs métiers liés au cinéma. Je suis à la fois critique et programmateur. Je fais de la formation auprès de divers publics. J’essaie aussi de réaliser. Pour résumer, tout tourne autour des films : en voir, en montrer, en parler et peut-être en faire.

Qu’est-ce qui a été le plus formateur pour toi dans ton enfance ?

Enfant, j’étais très casanier, pas très sportif. Lorsque j’avais 13 ans, ma mère m’a inscrit à un club photo. Ça été décisif pour moi. Grâce à la photo, je suis sorti de chez moi, ça m’a donné une bonne raison d’aller à la découverte du monde qui m’entourait et à la rencontre des autres !

Une image qui t’accompagne …

Il y a un film que j’ai découvert ado et que je revois souvent, que je connais presque par coeur : «Partie de campagne» de Jean Renoir.

« Partie de campagne » de Jean Renoir, 1946

C’est l’un des films les plus sensuels qui soient et en même temps l’un des plus mélancoliques. Il reste mon film préféré.

Quel est ton premier souvenir de cinéma ? 

C’était en Espagne, dans une très grande salle. Je devais avoir trois ans. Je me souviens d’un gorille géant détruisant des hélicoptères puis faisant un signe aux spectateurs pour montrer qu’il était le plus fort. J’étais effrayé et je ne comprenais pas pourquoi les gens autour de moi riaient. Je crois avoir retrouvé depuis de quel film il s’agissait : « APE », une parodie de King-Kong réalisé par Paul Leder.

« Ape » de Paul Leder, 1976

Tu as eu aussi très tôt, dès l’adolescence, le désir de faire des films, peux-tu nous parler de tes premières expériences derrière la caméra ?

A 15 ans je me suis acheté une caméra super 8. Je faisais des petites fictions avec des copains. Je me souviens aussi d’un film sur mon chat, dans lequel j’avais imaginé l’un de ses rêves. J’avais mis un bas sur l’objectif de la caméra pour rendre l’image floue puis j’ai filmé au ralenti une multitude de fenêtres et de portes qui se fermaient…

Je continue à filmer régulièrement en Super 8, ma famille et mes amis essentiellement. C’est un format amateur assez simple à utiliser tout en restant du cinéma, avec une image à projeter. Mon goût pour ce format est aussi lié au fait que mes grands-parents filmaient beaucoup en Super 8 (la famille, leurs voyages). Quand, j’étais enfant nous regardions leurs films chaque Noël. L’image Super 8 a une texture unique, je ne connais rien de plus beau pour garder des souvenirs.

Après ton bac tu t’inscris au département Cinéma de Paris 8 avec Jean Narboni plutôt qu’à La Fémis, le «dire» l’emporte-t-il alors sur le «faire» ? 

Non, je venais d’avoir mon bac à Angers. Pour intégrer la Fémis, il faut un niveau bac + 2. J’ai donc décidé de faire un DEUG avant. La fac de Paris 8 était facile d’accès pour un étudiant de province. Il y avait encore un esprit soixante-huitard qui avait ses inconvénients mais qui offrait surtout une formidable liberté, de pensée, de parole. J’ai fait des rencontres marquantes. Jean Narboni, qui avait notamment été rédacteur en chef des Cahiers du Cinéma, représentait pour moi une figure importante de l’histoire de la critique. J’ai beaucoup apprécié son rapport aux films. Il ne faisait pas de cours magistraux, il nous montrait des films et provoquait l’échange. Il se mettait en retrait pour faire participer les étudiants, sans se placer au-dessus d’eux. J’étais tellement bien à Paris 8 que je n’ai finalement jamais passé le concours de la Fémis. D’ailleurs, Paris 8 était une fac où il y avait pas mal de pratique. Par exemple, j’avais un cours de montage (en 16 mm) avec Cécile Decugis qui a travaillé avec Godard, Truffaut, Rohmer…

« A bout de souffle » de Jean-Luc Godard, 1960 Montage: Cécile Decugis

C’est aussi à Paris 8 que j’ai réalisé mon premier court métrage en 16 mm. J’avais eu droit à deux bobines de 30 mètres (6 min environ). J’ai filmé un taxidermiste, puis j’ai ajouté un commentaire en voix off. C’est un film très inspiré du « Sang des bêtes » de Georges Franju, qui avait été un choc pour moi.

« Le sang des bêtes » de Georges Franju, 1952

Un an plus tard, toujours à Paris 8, j’ai réalisé « La ville des chiens » sur la vieille ville de Goussainville, qui était devenu un véritable village fantôme depuis la construction de l’aéroport de Roissy. Bref, il était possible de réaliser des films dans cette université. Le « voir », le « dire » et le « faire » allaient ensemble.

Que t’inspire la vieille idée du critique vu comme un cinéaste frustré ?

Il y en a sûrement ! Mais c’est une vision très négative. Moi, je crois plus à l’idée de Jean Douchet que la critique est l’art d’aimer.

« L’art d’aimer » de Jean Douchet, Petite bibliothèque des Cahiers du cinéma, 2003

On écrit pour des raisons contraires à la frustration, on écrit pour formuler des sensations, des idées sur les films. Il faut rappeler que quand on écrit des critiques, on est rarement payé. Les critiques gagnent leur vie autrement. C’est par passion qu’on fait ça, et non par ressentiment ! Par ailleurs, même si ce n’est pas mon cas, je ne suis pas choqué que des critiques ne s’intéressent pas du tout à la pratique. On peut très bien parler d’un film sans savoir en faire.

J’ai été touché que le comité de rédaction de la revue Trafic me demande d’intégrer la revue. Cette revue mythique a été fondée notamment par Serge Daney il y a une vingtaine d’année. Cela correspond à peu près à mon arrivée à Paris. Je me revois très bien achetant le numéro 1. Le rythme de parution, trimestriel, permet un recul, une liberté par rapport à ce qu’on appelle « l’actualité du cinéma », imposée par le rythme des sorties en salles. François Truffaut a défini la politique des auteurs de films, Serge Daney avait, quant à lui, l’ambition de proclamer la politique des auteurs de textes sur le cinéma. Dans Trafic, c’est chaque auteur qui définit ce qui constitue pour lui l’actualité cinématographique, son actualité de spectateur. Ça peut être un film qui vient de sortir aussi bien qu’un film muet, une installation d’art contemporain autant qu’une question esthétique qui traverse toute l’histoire du cinéma.

Trafic, collectif, éditions P.O.L, 2011

Tu participes à des actions liées à l’éducation à l’image notamment dans le cadre du dispositif «école et cinéma». Quels sont pour toi les fondements d’une culture cinématographique ?

Ce que j’essaie de faire passer aux enfants mais aussi aux adultes, c’est de se sentir très libre par rapport aux films, sans aucune barrière culturelle. Ce n’est pas si facile d’être totalement soi-même devant un film, en mettant de côté tout ce que l’on en sait déjà, en ne se laissant pas écraser par tout le poids culturel dont il est chargé. Par exemple, il est toujours très difficile de voir pour la première fois un film qui est considéré comme un « grand classique », parce que notre regard est déjà conditionné par sa réputation. C’est d’autant plus vrai dans un cadre scolaire. Alors, pour dépasser ça, il faut permettre aux élèves d’exprimer le plus librement possible ce qu’ils ont ressenti, en leur disant que nous n’attendons pas des bonnes ou des mauvaises réponses de leur part, ni même qu’ils aiment ce qu’on leur montre, mais seulement qu’ils sachent exprimer leur émotion ou leur rejet. Il faut donc éviter les grilles de lecture préétablies, les idées arrêtées. Je pense à cette phrase de Truffaut : « Il faudrait considérer les films comme des êtres vivants ». Pour moi, à chaque film c’est tout le cinéma qui se rejoue. Il n’y a pas une conception du cinéma qui est plus légitime qu’une autre. Je peux aimer avec la même force des films très différents dans leur vision du cinéma, un film néo-réaliste italien autant qu’un film fantastique hollywoodien, un documentaire de Flaherty autant qu’un dessin-animé de Tex Avery. C’est en cela que le cinéma est un art : chaque artiste le réinvente pour lui-même. De même, en chaque spectateur chaque film résonne d’une façon différente.

« The Cuckoo Clock » Tex Avery, 1950

Tu as un lien très fort avec la maison d’édition «Yellow Now» en tant qu’auteur mais aussi en tant que directeur de la collection «Côtés films». Qu’est-ce qui t’anime dans cette fonction ? 

C’est un travail assez beau que d’aider les auteurs à accoucher d’un livre. Tout commence par mon propre plaisir de lecteur. Il y a quelques textes sur le cinéma qui m’ont autant marqué que des films. Ecrire sur le cinéma peut être un vrai exercice de création. Au départ de la collection, on était deux directeurs, je travaillais avec Fabrice Revault qui a été un de mes profs à Paris 8. L’idée était de proposer à des auteurs que l’on aimait d’écrire sur des films qu’ils aimaient, sans contrainte, sans cahier des charges. Dans cette collection, j’ai édité des auteurs qui m’avaient marqué quand j’étais étudiant. C’est assez émouvant de continuer de cette façon le « passage de relais ». Je pense à Narboni, à Revault mais aussi à Prosper Hillairet qui était un prof passionné et passionnant qui m’avait fait découvrir le cinéma expérimental, le cinéma underground américain.

« Coeur fidèle de Jean Epstein » de Prosper Hillairet, 2008

Tu es aussi depuis quelques années programmateur à l’auditorium du Musée d’Orsay. En lien avec les expositions du musée, tu réalises un travail important de défricheur du cinéma des origines.                                                                            Quelle part de contraintes et de liberté rencontres-tu dans ce travail ?

Ma programmation doit avoir un lien, soit avec les expositions du musée, soit avec la période de référence (1848-1914). Je peux travailler sur une thématique (Rêver d’Edgar Allan Poe), sur un cinéaste (Alice Guy), sur une maison de production (Dans la nuit de la Hammer)…

Par exemple, en lien avec l’exposition « L’ange du bizarre », on a décidé de proposer un sujet de cycle qui puisse exister à part entière plutôt qu’une programmation uniquement illustrative du thème de l’exposition. D’autant que le cinéma y est déjà très présent à travers des projections d’extraits de films, il ne fallait donc pas être redondant. On a donc cherché à mettre en valeur une cinématographie assez rare, méconnue du grand public et même de certains cinéphiles, en présentant des films de trois grands auteurs scandinaves : Sjöström, Christensen et Stiller. Le public était présent aux séances, on est content d’avoir donné une visibilité à ces films, dont certains sont parmi les plus beaux du cinéma muet. C’est très satisfaisant de montrer des films rares, et que des gens viennent les voir et les aiment. Ça donne le sentiment de participer un tout petit peu à l’histoire du cinéma…

Une dernière question ! Dans le texte de présentation, au dos de la couverture de ton livre sur Tourneur, on apprend que tu as fait une conférence sur Boby Lapointe à des universitaires anglais…

C’est vrai, j’ai réellement fait une conférence sur Boby Lapointe à Manchester ! C’était pour un colloque consacré à la chanson française. J’ai répondu à une annonce en proposant une contribution sur Boby Lapointe et j’ai été retenu. Même si j’avais face à moi un public francophone, l’explication de certains jeux de mots à des anglais était un vrai défi ! On ne peut pas imaginer un chanteur plus intraduisible que Boby Lapointe.

Boby Lapointe et Serge Aznavour dans « Tirez sur le pianiste » de François Truffaut, 1960

J’aime bien la chanson même si j’ai un rapport d’amateur avec cet art. Je me suis beaucoup amusé à réaliser des petits clips en Super 8 pour le chanteur Athanase Granson et le groupe Like billy-ho .

François Morellet, Triple X Neonly, 2012, Dynamo au Grand Palais

Cloison à lames réfléchissantes de Julio le Parc, 1966

Exposition Dynamo au Grand Palais, 10/04/13-22/07/13

Le prisme de Nicolas Schöffer, 1965

Dans d’autres travaux, c’est le déplacement du spectateur qui permet un jeu avec la notion de point de vue.

Double métamorphose III de Yaacov Agam, 1968-1969

Double métamorphose III de Yaacov Agam, 1968-1969

Vingt-trois disques évidés plus douze moitiés et quatre quarts de Felice Varini, 2013

Vingt-trois disques évidés plus douze moitiés et quatre quarts de Felice Varini, 2013

Une salle entière est consacrée aux pionniers du cinéma abstrait : Viging Eggeling, Laszlo Moholy-Nagy et Hans Richter. Occasion rare de se laisser hypnotiser par des enchaînements de motifs abstraits … Le film « Jeu de lumière noir-blanc-gris » de Moholy-Nagy est particulièrement fascinant, les mouvements de sa machine rotative projettent un ballet d’ombres et de lumière.

La vidéo contemporaine des frères Quistrebert vue au début de l’exposition est ainsi mise en perspective.

C’est un des intérêts de cette très vaste exposition de nous donner à voir l’art cinétique sur plus d’un siècle, des liens formels se tissent dans l’espace et le temps.

Le premier clap du « Petit bossu » !

Notre « Petit bossu » prend forme. Après les décors, nous réalisons les personnages à la bonne taille et le moment tant attendu arrive ; l’animation des premières scènes !

Réaliser un décor à quatre mains

Grande concentration pour Lola !

Satisfaite ?

Lissa dessine le médecin sous toutes ses faces.

Gabriel donne un dernier coup de ciseaux au héros du film !

Gabriel, Mina et Anouk sont les premiers à animer leurs personnages.

Le logiciel « SamAnimation » nous aide à contrôler chaque déplacement

A chacun sa tâche, une course contre la montre commence !

En attendant le film, un plan d’essai pour une scène particulièrement dangereuse !!!

La première séance d’enregistrement des voix est épique, fou rire et concentration se succèdent !

Enregistrement des voix …

Devinette : pourquoi Iris a-t-elle les mains levées ? Les bonnes réponses gagneront un message personnel les informant de la mise en ligne de notre film avec quelques bonus surprises !!!

Elément du décor de l’exposition « Le monde enchanté de Jacques Demy » 10/04/13-4/08/13

En matière de cinéma, je suis restée fidèle à mes goûts de petite fille : les westerns et les comédies musicales. Ces deux genres ont nourri mes jeux de récréation. Si je suis incapable de donner le titre précis d’un western qui inspirait mes nombreuses poursuites entre indiens et cow-boys, je me souviens très bien que je chantais à tue-tête, avec ma meilleure copine, la chanson des jumelles dont nous avions quelque peu transformé les paroles ! Le temps d’une chanson nous étions les reines de la cour de récréation.

Plus tard, j’ai appris qu’on pouvait avoir le coeur meurtri et continuer à chanter et à rire ! C’est cette élégance de vie que j’aime retrouver dans les films de Jacques Demy, les choses graves ne s’habillent pas forcément de gris.

J’ai été impressionnée dimanche matin par le nombre de famille visitant l’exposition « Le monde enchanté de Jacques Demy ». Transmettre le goût du cinéma était une de ses passions. Susciter le désir de voir et revoir ses films est le plus bel hommage qui puisse lui être rendu.

De la reconstitution de ses premières projections dans le placard familial à la déclaration finale « Pourquoi je filme ? », l’exposition est une merveilleuse plongée dans l’oeuvre d’une vie consacrée aux images. Si je connaissais bien le cinéaste, j’ai découvert le photographe et son Hasselblad.

Hasselblad 2000 FC/M ayant appartenu à Jacques Demy

Parmi les très nombreuses photographies de plateau exposées, j’ai eu un véritable choc visuel devant celles d’Agnès Varda prises sur le tournage de La baie des anges. Il m’était difficile d’imaginer Jackie et Jean autrement qu’en noir et blanc, tellement la beauté des images sont indissociables au film. Contrainte financière au départ, Jacques Demy assume avec brio ce choix.

Jeanne Moreau dans « La baie des anges » de Jacques Demy, 1963

Agnès Varda n’a pas les mêmes obligations, avec son appareil photo elle restitue la réalité du tournage avec des images en couleur très lumineuses. Belle illustration que la création est un jeu subtil entre contrainte et désir, et qu’une même réalité peut engendrer des regards multiples.

Exposition « Le cinéma enchanté de Jacques Demy »

J’ai aussi été très touchée par le témoignage vidéo d’Harrison Ford que l’on retrouve dans le catalogue de l’exposition. La rencontre avec Jacques Demy à Los Angeles lors de la préparation de Model Shop a marqué l’apprenti comédien qu’il était alors, il rend hommage au cinéaste mais surtout nous livre une belle leçon de vie.

Entretien avec Harrison Ford réalisé par Rosalie Varda- 2012

L’exposition se termine par la réponse de Jacques Demy à la question du journal Libération : « Pourquoi je filme ? »                                                                                     »Parce que j’aime ça / Parce que ça bouge / Parce que ça vit / Parce que ça pleure / Parce que ça rit / Parce qu’au ciné / On est dans le noir / On est au chaud / Entre un mec qui vous fait du genou / Et une nana qui enlève le sien  (…) Parce que filmer c’est comme une femme / C’est comme un homme / Ça peut faire mal / Ça vous écorche / C’est parfois moche / Mais c’est bien quand même (…) Parce que j’aime ça / Et parce que je ne sais rien faire d’autre… »

Si comme Jacques Demy vous aimez ça, deux autres expositions mettent le cinéma à l’honneur. A Paris, le printemps est cinéphile.

Musique et cinéma : le mariage du siècle ?
Cité de la musique jusqu’au 18/08/13

Studio Beinex, Musée des années 30, Boulogne Billancourt, jusqu’au 29/09/13

Ecole Barbusse, Malakoff, avril 2013

Quatre enseignantes de l’école maternelle Henri Barbusse font découvrir à leurs jeunes élèves que le cinéma est à la fois un art et une technique. Un cycle d’ateliers sur les « images qui bougent » est venu compléter les sorties au cinéma de la ville.

Voir des courts-métrages, comparer des albums et des films, manipuler et fabriquer des jouets optiques, réaliser une séquence animée ont été les premières étapes de cette belle aventure !
 

Nature morte de Jean Lassave, 18/04/13

« Il ne faut pas dire que le passé éclaire le présent ou que le présent éclaire le passé.  Au contraire, l’image est ce en quoi, « l’autrefois » rencontre « le maintenant » en un éclair pour former une constellation. »                                        Walter Benjamin, Le livre des passages                                                                                                        

C’est avec les mots d’un autre que le cinéaste Jean Lassave termine la présentation de son nouveau film « La Ciotat, mon bleu des origines » devant une salle comble dans les locaux de la SCAM.                                                                                                                Plus qu’un orateur, Jean est un marcheur, son film nous invite à le suivre pour un voyage aux frontières mouvantes ; l’histoire se mêle au présent, l’individu au collectif, l’acteur au spectateur…

Se présenter en quelques mots…

Je suis réalisateur, cinéaste. J’appartiens à une génération qui a remis en cause la dogma du cinéma pour réaliser un cinéma engagé, politiquement  et artistiquement. Je ne revendique pas spécifiquement l’étiquette de documentariste. Le documentaire, je le conçois comme un film à faire, comme une fiction. Je me souviens d’une phrase-clé de ma formation : «on fait du documentaire dans la fiction et de la fiction dans le documentaire». L’essentiel est d’essayer de capter une diversité de regards. Comme les cubistes, représenter un objet sous toutes ses faces. Tous les modes d’expression du cinéma m’intéressent. Je crois à la démocratie des images.

Qu’est-ce qui a été le plus formateur pour toi dans ton enfance ?

Apprendre à nager, trouver un équilibre à la surface de l’eau. Jean Renoir disait « j’essaie d’être un bouchon». Je suis un méditerranéen, la mer est un élément fondamental. Il est vital de retenir ce qui fait peur, ce qui t’amène au fond de l’eau. Faire un film c’est comme nager avec style pendant 5-10 mètres.

«Ma première brasse» Luc Moullet, 1981

Une image qui t’accompagne …

C’est un tableau que j’ai vu très jeune dans un gros livre: la figure du Christ de Rouault. L’épaisseur de peinture est le signe d’un repentir permanent, c’est d’une force incroyable.

Lors de la soirée organisée par la SCAM, avant la projection de ton film, tu as rendu un hommage à ton frère François qui t’a ouvert les portes du cinéma. Peux-tu revenir sur ce temps d’initiation ?

François était mon frère ainé, il avait 7 ans de plus que moi, c’était aussi mon parrain. Comme il était asthmatique, il était souvent malade. Ça lui a permis de beaucoup lire, il avait une très forte culture. Il était féru de littérature et passionné de cinéma. Mes parents allaient au cinéma une fois par semaine, nous laissant les cinq enfants sous la surveillance de François. François nous présentait alors les films qui sortaient, il se mettait devant un miroir et mimaient tous les rôles, faisait la musique… Il m’a donné la passion des images. Je rêvais d’une autre réalité à travers les images. A l’adolescence, j’animais un ciné-club dans mon lycée. Je concevais le programme avec mon frère. Il m’a fait programmer «La vie d’O’Haru, femme galante» de Mizoguchi. Ça a été un gros scandale !

Quel a été ton parcours pour devenir «documentariste» ?

J’ai fait l’IDHEC, la 29 ème promotion (1973-76). Il y avait à cette période un très fort engagement politique. Le cinéma de fiction était vu comme un cinéma bourgeois. Le cinéma engagé était le cinéma du réel, c’était l’époque du groupe Dziga-Vertov.

«Vladimir et Rosa» groupe Dziga-Vertov- 1970

Les figures fortes de cette époque étaient Godard et Straub. Parallèlement, j’ai suivi des cinéastes plus classiques comme Renoir et d’autres.

Tu as commencé à réaliser des films au début des années 80, comment présenterais-tu ta filmographie à quelqu’un qui, comme moi, ne la connaît pas ?

Je ne sais pas. En fait je ne suis pas à l’origine de tous mes films. J’ai beaucoup répondu à des demandes, voir des commandes. J’ai été, pendant 7 ans, assistant de réalisation à la télévision. Le cinéma est un milieu très fermé. En tant que marseillais je ne connaissais personne, je n’avais pas de relation. Ça toujours été très difficile de gagner ma croûte. Donc, en sortant de l’IDHEC, on pouvait travailler tout de suite à la télévision. J’ai eu ma carte de réalisateur TV et deux projets de films. Le premier film est sorti en 84, c’était «Face B- contre-enquête» sur un fait divers. Ma filmographie est diversifiée sur le plan des formats ( j’ai fait des courts, des moyens et des longs métrages), j’ai fait principalement des films qui concernent l’histoire et la réalité sociale. En 88, j’ai participé à une grosse série qui s’appelait Génération, j’ai touché de près les archives. Parallèlement, il y a aussi les films qu’on ne fait pas, ils sont peut être aussi une oeuvre. J’ai écrit plusieurs scénarios de longs métrages, des scénarios de fiction. Pour l’instant, je n’ai pas pu monter les projets…

Tu as cosigné beaucoup de tes films, que t’apporte la collaboration avec un autre réalisateur ?

De tous les arts, le cinéma est le plus collectif. On ne peut pas faire un film seul. A chaque étape de fabrication, il y a la nécessité d’un travail en commun. Il y a toujours un dialogue. Faire des films à deux permet à la fois de se remettre en cause et de se rassurer. Bien sûr assumer à deux les choix, c’est compliqué, il y a toujours une tension à un moment donné.

Tu es membre d’un syndicat (SFR-CGT), de plusieurs associations ( ADDOC, SCAM, «Regards portés»). Que représente pour toi cet engagement dans l’action collective ?

C’est la suite logique de ma formation par rapport à un cinéma engagé. Le cinéma se prolonge d’une manière citoyenne, faire évoluer la société et le lieu où l’on travaille. Le cinéma est un des secteurs où l’on peut-être le plus exploité. Au nom de l’art, on peut faire n’importe quoi ! Il faut se défendre.

Ta dernière oeuvre est quant à elle éminemment personnelle, Tu explores la ville de ton enfance, La Ciotat, par le filtre de ta mémoire. Tu es derrière la caméra mais aussi devant puisque tu te mets en scène dans ton propre film avec comme «costume» un bleu de travail. Tu avais un désir caché d’être acteur ?

J’étais fasciné très jeune par Charlot. Quand j’étais tout petit à la Noël, j’improvisais des sketchs comiques pour faire rire la famille. J’avais inventé un personnage «Titi la gazette», c’était une sorte de Polichinelle avec un coussin dans le dos. Plus tard, au lycée, on m’a toujours pris pour quelqu’un de très sérieux, renfermé. En fait, je suis peut être un comique ! Jouer dans son propre film, c’est compliqué car on ne se voit pas ! Le chef opérateur n’a pas forcément l’idée de ce que tu veux faire. Mais je me devais d’être devant la caméra, pour moi c’est une question d’éthique. Si je veux parler de moi, il fallait que ça existe. Je suis acteur et spectateur de l’histoire, je dois être devant et derrière la caméra. Quand on revient sur le lieu de son enfance, tout à coup plein de choses apparaissent, viennent se superposer, c’est fugitif. L’idée qui présidait le film est que je ne voulais pas seulement raconter mon «égo-histoire», je pense que chacun est porteur à son niveau de la grande Histoire. C’est une idée développée par Pierre Nora dans «Les lieux de mémoire». J’ai repris le costume local, le bleu de Chine qui était porté par tous les gens des chantiers navals et par les pêcheurs. J’ai découvert qu’un groupe de musiciens «Moussu T e lei Jovents» l’avait aussi choisi comme costume de scène.

Moussu T e lei Jovents, Crozon, 2011

J’allais à la Ciotat pour les vacances d’été, j’ai toujours vu un ciel bleu. Je n’ai découvert le gris de la Ciotat qu’au moment du film. Avec Bruno Flament, le chef opérateur, on faisait des repérages fin octobre, on était allé voir le peintre-ouvrier, Gilbert Ganteaume, il avait plu toute la journée. Lorsqu’on est sorti, la lumière sur la calanque était superbe. Bruno avait sa caméra, il l’a laissée tourner. C’est ce qui est bien avec la vidéo, on peut se permettre d’attendre pour avoir le bon moment. Ces images sont au tout début du film.

Tu es non seulement présent à l’image mais aussi dans la bande-son avec une voix off très prégnante. Tu dis un texte que je trouve très beau, très poétique… A quel moment l’as-tu écrit ?

Il y a eu plusieurs étapes. Tout d’abord, on est allé sur les lieux, rencontrer des personnes. On a fait des repérages avec Bruno. A partir de ces premières images, j’ai écrit un premier texte. Il y a eu ensuite des réécritures au tournage et au montage. Le texte s’est transformé au contact des images et des sons. Comme beaucoup de personnes, je n’aime pas ma voix enregistrée. J’ai pensé devenir ventriloque, l’idée était que le texte sorte du ventre. J’ai aussi envisagé de faire dire le texte par un comédien, je n’étais vraiment pas sûr de ma voix et en plus le mixage son est ce qui coûte le plus cher, il ne faut pas trop se planter. J’ai contacté un comédien, il a lu le texte, il l’a trouvé trop personnel, c’était à moi de le dire, il est devenu mon coach !

Tes souvenirs s’entremêlent avec l’évocation d’hommes et de femmes qui ont ou qui ont eu comme toi La Ciotat comme port d’attache à un moment de leur vie. Tu commences bien sûr par Les frères Lumière, on croise aussi bien des artistes que des artisans, des figures historiques que tes contemporains. Comment as-tu établi la liste de tes invités ?

Je reviens à l’idée qui préside au film, le lien entre la petite et la grande histoire. Le fait que je sois acteur et spectateur. A un moment, je disparais pour laisser la parole aux acteurs de la ville. Il y a les figures historiques incontournables, les frères Lumière et le poète Emile Ripert et puis des choix plus personnels. Le chantier de la scop des charpentiers m’a fait pensé à l’atmosphère des studios de cinéma. J’avais aussi envie d’une réflexion sur l’image, c’est Bergala et Plossu qui font le lien entre la réalité que l’on rencontre et la théorie.

«La Ciotat, la gare et les frères Lumière», Bernard Plossu, 1995

Et puis cette découverte du lien entre la pellicule Kodak 35 mm et la fabrication de la carte à puce. C’est une métaphore extraordinaire du lien entre le cinéma et l’argent doré.

Une dernière question, pourquoi «le ballon rouge» ?

L’idée est venue en écrivant, j’avais envie d’une figure de l’enfance. J’ai le souvenir qu’il y avait dans la bibliothèque de mes parents un livre sur le «Ballon rouge» de Lamorisse, c’était comme un roman-photo en noir et blanc. C’est un moment poétique assez fort. On s’est amusé à faire voler le ballon à l’aide d’un filin transparent et puis on a aussi utilisé la technique de l’animation «image par image» lorsque le ballon passe au dessus de ma tête.

Photogramme du film  » La Ciotat, le bleu des origines » Jean Lassave, 2012

Document-terre

Partir vers l’avenir

Revenir vers le passé

Retrouver le présent

 Chacun croit exprimer l’individuel

Et dit l’universel

Jean Lassave

Photogramme du « voleur de bicyclette » Vittorio De Sica, 1948

Projection-conférence au cinéma Jean Vigo de Gennevilliers                                                 Le voleur de bicyclette                                                                                                             de Vittorio De Sica                                                                                                               Mercredi 17 avril 2013

Document accompagnant la conférence :  Le voleur de bicyclette

J’ai rarement un souvenir fidèle du contexte dans lequel j’ai découvert un film. Pour « Le Voleur de bicyclette », je me souviens parfaitement du lieu, de l’époque et des personnes qui m’accompagnaient. C’était au milieu des années 80 dans un petit cinéma d’art et d’essai derrière le Bazar de l’Hôtel de Ville avec Pierre, Agnès et Rénato… Je me souviens aussi parfaitement du profond sentiment d’injustice que j’ai ressenti devant la quête désespérée d’Antonio et de son fils Bruno.

En inscrivant ce film à leur catalogue, les Enfants de cinéma font le pari qu’il va toucher de nouvelles générations de spectateurs. Rencontrer un public renouvelé, provoquer la critique et inspirer d’autres réalisateurs, autant d’indices qui montrent que « Le voleur de bicyclette » résiste à l’épreuve du temps. Au-delà d’être une oeuvre du patrimoine, « Le voleur de bicyclette » est aussi un film au succès intemporel.

« Nous nous sommes tant aimés » d’Ettore Scola en est un vibrant hommage…

« Nous nous sommes tant aimés » d’Ettore Scola, 1974

L’un des protagonistes de ce film choral, Nicola, est passionné par l’oeuvre de De Sica. Au tout début du film, on voit le jeune professeur assisté à la projection du « Voleur de bicyclette » lors d’une séance de ciné-club dont le débat va très vite dégénéré, il s’oppose vivement à son proviseur qui traite l’oeuvre « d’esthétique de fond de poubelle » et qui rappelle les propos d’un jeune député, Giulo Andreotti, « le linge sale se lave en famille ».

Le ciné-club
« Nous nous sommes tant aimés » d’Ettore Scola, 1974

Deux autres scènes évoquent comment Vittorio De Sica a réussi à faire pleurer le jeune  Bruno lors de la scène finale du « Voleur de bicyclette ». Il lui avait glissé des mégots dans les poches de son veston et l’avait accusé de les avoir volés. La connaissance de ce fait par Nicola lui fait perdre une très grosse somme d’argent à un jeu télévisé.

Le jeu télévisé
« Nous nous sommes tant aimés » d’Ettore Scola, 1974

L’anecdote est confirmée par De Sica lui même à la fin du film.

Vittorio De Sica
« Nous nous sommes tant aimés » d’Ettore Scola, 1974

Hommage, pastiche, citation ou détournement, d’autres films évoquent « Le voleur de bicyclette » :

« Le voleur de savonnettes » de Maurizio Nichetti, 1989

« The player » de Robert Altman, 1992

« La graine et le mulet » d’Abdellatif Kechiche, 2007

Sans Titre, Rero, 2010, exposition « Au delà du Street Art » Musée de la poste 28/11/12-30/03/13

Aller au musée avec sa classe peut être une belle aventure ou le pire des cauchemars ! Un des critères pour la réussite de cette sortie culturelle est la qualité de l’accueil reçue. Hakima Benabderrahmane a fait de cette question le coeur de sa pratique et de sa réflexion professionnelle. Pendant une dizaine d’années, au musée Albert Kahn, elle a permis a de nombreux enfants et adultes de vivre  avec plaisir et intérêt une expérience unique : découvrir un ailleurs par le biais des images collectées par Albert Kahn, les fameuses Archives de la planète.  Depuis quelques mois, c’est au musée de la Poste qu’elle poursuit son travail, l’occasion pour nous de l’interroger sur son parcours et ses motivations.

Se présenter en quelques mots…  

Je suis médiatrice culturelle, actuellement chef du service des publics au musée de la poste après dix ans passés au musée Albert Kahn.

Qu’est-ce qui a été le plus formateur pour toi dans ton enfance ?  

Je pense que c’est la lecture. J’ai appris à lire très vite. Je lisais tout et n’importe quoi, même des bouquins incompréhensibles. Mes parents étant analphabètes, la lecture a été structurante pour moi, j’ai lu et je continue de lire avec frénésie.

Une image qui t’accompagne …

C’est un tableau de Friedrich, le peintre romantique allemand. Il représente un homme seul en haut d’une montagne. Je pourrai passer des heures devant ce tableau; la solitude, la grandeur de la nature, le néant, le vide… Beaucoup de choses émergent de ce tableau. C’est vraiment une belle image !

« Le voyageur au dessus de la mer de nuage » Caspar David Friedrich, 1818

Lors de tes études universitaires tu t’es spécialisée dans l’histoire de l’Antiquité grecque. Qu’est-ce qui te fascine, passionne dans cette période ? 

Tout a commencé par la mythologie. Je te parlais tout à l’heure de frénésie de lecture, j’ai lu avec passion tous les bouquins que je pouvais trouver sur la mythologie grecque, romaine et égyptienne. Ma soeur ainée m’a emmenée très tôt dans des musées. Et en classe de quatrième, j’ai fait un voyage scolaire en Grèce. Mon destin était scellé, j’ai été fasciné par ce pays et cette culture. J’ai eu un coup de foudre, notamment pour Delphes. Pour les Grecs, c’est le nombril du monde, je suis d’accord avec eux. J’y retourne tous les ans, cette culture fait partie de moi.

Nous nous sommes rencontrés lorsque tu travaillais au service jeune public au musée Albert Kahn.                                                                                                             Peux-tu nous parler du travail de médiatrice culturelle que tu effectuais alors ? 

Mon rôle était essentiellement d’accueillir les classes et de concevoir des supports pédagogiques pour les élèves et les enseignants. Mon parcours universitaire m’a donné le goût de la transmission. Mais paradoxalement, je ne me suis jamais dit que je voulais être enseignante. J’ai découvert le milieu des musées très tôt, par les visites avec ma grande soeur, puis des stages et les cours de l’école du Louvre.
J’ai eu la chance de trouver un premier job au musée Albert Kahn comme hôtesse d’accueil, je vendais les billets d’entrées. La conservatrice de l’époque, Jeanne Beausoleil, a appris que j’étais helléniste, elle m’a alors orientée vers le service des publics. J’ai appris mon métier sur le terrain. La vulgarisation de la culture, j’adore ça ! Je trouve génial de voir des enfants faire des découvertes, j’ai aussi adoré travailler avec des profs même si c’est dur parfois.

Parallèlement à ton travail au musée, tu as participé à une revue spécialisée d’histoire. Que signifie pour toi cette autre forme de médiation ? 

C’était un moyen de faire découvrir l’Antiquité à un public élargi. J’associais mon goût de la vulgarisation à ma passion de l’Histoire. J’ai présenté les grandes figures de la Grèce Antique : Homère, Périclès, Zeus. J’ai fait aussi un article sur les jeux panhelléniques.

Couverture de la revue « Histoire Antique » Sep-Oct 2005

Tu as contribué pendant une dizaine d’années à la valorisation de l’oeuvre d’Albert Kahn. Peux-tu nous partager des découvertes, des coups de coeur que tu as pu avoir dans sa très riche collection ? 

La préparation à l’exposition sur le Japon a été pour moi une vraie révélation. J’ai découvert une culture, des images que je ne connaissais pas. J’ai eu aussi beaucoup de plaisir à partager cette découverte.

Affiche de l’exposition « Clichés Japonais » Nov 2010-Août 2011

Mais le problème à Albert Kahn est que le temps d’exposition est trop long, il est difficile de garder sa fraicheur, son enthousiasme sur un si long temps.

Quelles actions, quels projets, ont été les plus importants pour toi au cours de ces 10 années ? 

Ce dont je suis le plus fière c’est le développement du plan de formation des enseignants. Je suis vraiment très fière d’avoir porté ça, d’avoir valorisé aussi le travail des enseignants. Je pense que cette action, l’accueil des classes, a contribué au succès du musée.          Je viens aussi d’apprendre que le musée a reçu le label : « Tourisme et Handicap ». J’y ai travaillé pendant trois ans, c’est un peu mon bébé. J’en suis très fière !

Depuis cet automne, tu as changé de lieu de travail, tu travailles maintenant au musée de la poste en tant que responsable du service des publics. Peux-tu nous définir tes principales missions ? 

De façon très concrète, je gère le service au quotidien ! Je dois aussi définir la politique du service et mettre en place des projets de développement à l’attention de tous les publics (handicap, enseignants, scolaires, séniors, adultes, champs social…), en leur proposant à chaque fois des solutions de médiation adaptées. Cela peut également passer par des partenariats institutionnels pour diversifier nos actions, toujours dans l’objectif d’accueillir tous les publics. Par exemple, nous avons mis en place un partenariat avec l’hôpital Necker pour faire découvrir nos collections et nos animations aux enfants malades. Je mets également en place la programmation culturelle et les animations sur les collections permanentes et les expositions temporaires. Le socle de mon travail reste l’accueil des scolaires, pour moi, un musée qui n’a pas de public scolaire est un musée mort. C’est vraiment le coeur de notre métier.

Quels ont été les premiers défis que tu as eus à relever lorsque tu as pris tes fonctions au musée de la poste ? 

Ma chef m’a donné le temps de prendre mes marques, c’était très agréable de ne pas commencer dans le stress. J’ai commencé mon travail au musée de la poste deux semaines avant le début de l’exposition « Au delà du Street Art » qui remporte un grand succès. Mon premier défi a été de gérer le flux des personnes, notamment les queues sur le trottoir ! Et puis je dois gérer l’imprévu ! Pour la saison culturelle autour de l’exposition du Street Art, nous avons des nocturnes à animer. Nous avons eu un désistement pour la soirée slam quelques jours avant la date programmée. J’ai dû trouver un slameur au dernier moment. Nico K et ses accompagnateurs, Pina et Quentin Laffont ont assuré !

Affiche de l’exposition « Au delà du Street Art » Nov 2012-Mars 2013

Peux-tu nous dire quelques mots sur la prochaine exposition ?  

Elle portera sur deux grands artistes de l’Art Brut : Gaston Chaissac et Jean Dubuffet. Le fil conducteur sera leur correspondance croisée. Nous travaillons avec le musée de l’abbaye Sainte Croix des Sables d’Olonne. Elle se déroulera du 27 mai au 28 septembre 2013.

Visage aux hachoirs, Gaston Chaissac, 1947-1948

Le Jeu de Paume accueille deux nouvelles expositions, la photographe française Laure Albin Guillot et l’artiste contemporain Adrian Paci. Une belle occasion pour travailler avec les « enfants d’abord » sur la notion de cadrage, de découvrir comment l’action de cadrer déplace et transforme la réalité…

Les enfants sont invités dans un premier temps à explorer une image à l’aide d’un cadre en carton. Cadrer c’est choisir ce que l’on veut dans l’image, déterminer les limites extérieures de l’image.

« Les enfants d’abord ! » 30/03/13

« Les enfants d’abord ! » 27/04/13

Les enfants vont ensuite à la rencontre d’une sélection d’oeuvres dans les expositions afin de voir comment les artistes se sont emparés de cette notion tant dans l’image fixe que dans l’image animée.

Vitrine présentant les micrographies décoratives de Laure Albin Guillot

« Les enfants d’abord ! » 27/04/13

Puis, il est temps de passer à la pratique. Les enfants sont invités à réaliser leur propre image en créant des photos mystérieuses …

« Les enfants d’abord ! » 27/04/13

« Les enfants d’abord ! » Prise de vue en plan rapproché   30/03/13

Présentation du porte folio, 30/03/13

La séance se termine par des devinettes visuelles, succès assuré !

Ecole maternelle, rue des Archives, PARIS- 22/03/13

L’association « Enfances au cinéma » m’a confié la préparation d’un atelier dans le cadre de leur programmation « Mon premier cinéma » dédiée aux classes maternelles parisiennes. Une belle opportunité de travailler avec 5 classes sur le très beau court métrage de Philip Hutt : « Perdu ? Retrouvé ! ».

Toutes les classes sont allées auparavant deux fois dans leur cinéma de quartier découvrir les films de la programmation sur grand écran. Je ravive la mémoire de ces séances par une petite devinette, je présente aux enfants des objets qu’ils doivent associer à l’un des films vus. 

Ecole maternelle de la rue des Archives – 22/03/13

Après la lecture de l’album dont le film  » Perdu ? retrouvé ! » est une adaptation, les enfants recherchent activement les ressemblances et les différences entre les deux supports. Avec l’aide du petit canard de bain, je les amène peu à peu à remarquer que le canard bouge dans le film alors qu’il reste toujours à la même place dans l’image de l’album.

Ecole maternelle de la rue du Mont Cenis – 28/03/13

Afin de commencer à comprendre le mystère de l’image animée, quoi de mieux que de réaliser ensemble un tout petit film !

Ecole maternelle de la rue d’Orsel – 29/03/13

Ecole maternelle de la rue Legouvé – 25/03/13

La manipulation de folioscopes et la réalisation individuelle d’un feuilletoscope complètent la séance.

Ecole maternelle de la rue Legouvé – 25/03/13

Ecole maternelle de la rue Alphonse Baudin – 21/03/13

Ecole maternelle de la rue d’Orsel – 29/03/13

Avant de se quitter, on réécoute l’histoire de « Perdu ? Retrouvé ! » mais cette fois-ci, en chanson !

Ecole maternelle de la rue des Archives – 22/03/13